Making of de: “Armadura”

Aquí os dejo este Making-of del cortometraje: “Armadura”. El antes y el después del montaje de este pequeño fragmento experimental dotado de gran ingenio y calidad. Es fantástico ver cómo cambian las cosas en el cine…

El Regalo

Video producido por “El hombre espantapájaros” y dedicado a todos los afectados por el terremoto de Haití.

Dirección y montaje: Albert Blanch
Música: “Carabelas” de Ricardo Arjona
Actor: Herman Beiro
Producción: El hombre espantapájaros
Agradecimientos: David Faüchs

Avatar, el guión

Hace unos días fui a ver está maravillosa película en formato 3D. Viajé junto a mi hermano, otro enamorado de la Ciencia-Ficción, hasta el maravilloso Planeta Pandora. Me pareció un largometraje que se hizo corto y una grata experiencia visionarla en tres dimensiones. Pese a que muchos digan que el guión es flojo, a mí me pareció una historia muy bien construida. Tan sólo existen diez buenas historias que se repiten una y otra vez dentro de nuestro inconsciente colectivo.  Lo que cambia realmente la historia y los acontecimientos, es la construcción de buenos personajes que, junto a su mundo interior y su singular manera de andar por la vida llenan el Universo de la narración como un puzzle que poco a poco, va encajando perfectamente. Muchos se han sorprendido al encontrar un parecido casi exacto entre Pocahontas y Avatar, por otra parte es muy normal: La Cenicienta=Pretty Woman, Armas de mujer, Oficial y caballero, Carrie…un día hablaré sobre la similitud de estructuras, muy similares a los cuentos.

Os dejo el enlace del guión definitivo de “AVATAR“, gentileza de la Fox. Escrito por James Cameron, para mí un perfecto analista y perfeccionista en muchos campos del mundo del cine, incluida la piedra angular de toda la maquinaria: el GUIÓN.

También os dejo el enlace a el primer tratamiento de la historia.

El Hobbit

Los fans de Tolkien están de enhorabuena. Peter Jackson y Guillermo del Toro ya tienen totalmente terminado el guión de la primera película de ‘El Hobbit’, la precuela de El Señor de los Anillos que se estrenará en 2011.

“El Hobbit tendrá dos películas, hemos escrito el primer guión y lo hemos entregado al estudio que parece estar muy feliz con él“, afirmó Jackson durante la promoción de su último trabajo Lovely Bones.

“Estamos a medio camino del segundo guión, y Philippa (Boyens), Fran (Walsh), Guillermo y yo mismo estamos trabajando en él y pasándolo genial“, afirmó el cineasta que en esta ocasión es tan solo productor ejecutivo dejando la dirección en manos de Guillermo del Toro. Además, Jackson sseñaló que ha sido “muy interesante” volver a juntarse con Philippa Boyens y Fran Walsh ocho años después de escribir el guión de la Trilogía de ‘El Señor de los Anillos’.

“Estaba preocupado por si resultaba extraño o difícil volver allí, pero en cuanto empezamos a escribir fue en realidad divertido y fácil”, reconoció Jacksón que asegura que no echará de menos dirigir el rodaje porque: “MI PARTE FAVORITA DE HACER CINE ES EL GUIÓN”,  “¡ES EL ASPECTO MÁS CREATIVO Y DIVERTIDO!”, sentenció.

Fuente: www.rtvcyl.es

Panic Attack

Dicen que en Hollywood los sueños se hacen realidad, y para Fede Álvarez, un joven director uruguayo de 30 años que nunca ha rodado una película, pero sí publicidad televisiva, ese sueño se está materializando a golpe de billete verde y con el padrinazgo nada menos que de Sam Raimi, el hombre que hizo volar a Spider-Man por los cielos neoyorquinos. La meca del cine siempre se ha enorgullecido de valorar ante todo el talento, un bien escaso en su propio territorio y la carta de presentación del creativo y mago de los efectos visuales austral se llama “¡Ataque de pánico!, un corto colgado en Youtube en el que Montevideo sucumbe a un ataque alienígena.

Sólo costó menos de 500 dólares, que -según ha dicho al diario El Pueblo- se fue en pagar a unos cuantos extras para que corrieran. El resto lo hizo él con unos pocos colaboradores y una colección de programas muy conocidos, sin ninguna poderosa computadora como las que destruyeron el mundo en “2012″: 3dMax, FumeFx, Glu3d, AfterEffects, Photoshop y Premiere.

Sin embargo, el resultado es tan espectacular como la cifra en torno al millón de dólares que le han ofrecido por contrato a Alvarez para debutar en el cine. En menos de 5 minutos de metraje vemos a un niño que juega con pequeños robots y es el primero en contemplar la invasión alienígena, a base de enormes monstruos metálicos y decenas de ovnis que pueblan el cielo y atacan sin piedad edificios y personas en el centro de la capital uruguaya: Torre de Antel, el Palacio Legislativo, el Palacio Salvo y la Intendencia de Montevideo perecen entre fuego y explosiones. Parece un trailer de “La guerra de los mundos” pero es un entretenimiento forjado entre Fede y su amigo Mauro Rondan, también especialista en efectos visuales 3D, que emplearon seis meses a lo largo de dos años para terminarlo.

Variety informa que desde que vieron “¡Ataque de pánico!” diversos agentes y estudios se movilizaron para fichar a Alvarez. CAA se llevó al uruguayo al agua, y con ella Anonymous Content y el abogado Karl Austen. Enseguida vino un precontrato con Ghost House, la productora de Sam Raimi, después de ambos cineastas se encontraran y el suramericano explicara a su colega una idea para una película sobre invasión extraterrestre.

Según ha explicado el uruguayo, Raimi le ha prometido libertad creativa y un equipo a su servicio, con cuatro o cinco meses de desarrollo de guión y luego preproducción. Ni siquiera tendrá que destruir Nueva York o Los Angeles, porque han aceptado que se desarrolle en Uruguay y Argentina. “Lo que me pidieron es exclusividad absoluta y básicamente quieren asegurarse de formar parte en mi primera película, a partir de una idea desarrollada totalmente por mí”, dijo Alvarez a Búsqueda.

Sin duda, el milagro del joven uruguayo tiene mucho que ver con los recientes sorprendentes triunfos de películas como “District 9″ o “Paranormal activity”, películas “baratas” para los parámetros de Hollywood pero espectaculares en resultados taquilleros.

Quizás, tras ver el corto del creativo austral, donde sólo vemos destrucción, el desafío será arropar esos brillantes efectos visuales con una historia interesante y bien contada. Continuará… hasta ver el proyecto en pantalla a finales de 2011.

Fuente: abc guionistas

Un guión Disney

La fórmula de Disney aún es la regla principal, desde mi punto de vista. En estos tiempos las películas familiares siguen la fórmula de Disney y hasta las novedades de Pixar se rigen por ese modelo dándole su toque personal. La fórmula parecería ser más o menos esta:

1) Desear plenamente. Ser una princesa, una hormiga inteligente, un juguete valiente, ser amado por un monstruo verde, ser un mago, etc

2) Amigos. Los niños aman a sus amigos y si (Dios no lo permita) no tienen ningún amigo, quieren alguno. Entonces Cenicienta tiene pajaritos y ratones. La Bella tiene a la tetera, el reloj, el candelabro; Ariel tiene a su pececito y a Sebastián el cangrejo; Harry Potter tiene a Harmonie y Ron; Woody tiene a Buzz.

3) Familia. Muchas películas clásicas giran alrededor de una familia o pseudo-familia. En 101 Dálmatas Roger y Anita son de hecho mamá y papá de los 101 dálmatas. En Blancanieves los enanitos actúan como chicos y son cuidados por su mamá Aurora/Rosa. Flik, la hormiga es miembro de una enorme familia de hormigas, discute con ellos y tiene que irse de la casa, hace amigos con los insectos del circo y al final se amiga con su familia y vuelven a estar juntos. Matilda es adoptada por su maestra, Miss Honey, quien se transforma en esa adorable mamá que ella siempre se mereció.

4) Personajes de comedia. Todos los personajes en Disney son “tipos”. Son la tipología héroe/heroína, con la valentía habitual (el príncipe), o con una belleza cautivante (la princesa). Hay “tipos” de comedia como los siete enanitos que pueden ser fácilmente identificados con un solo adjetivo: gracioso (el ratón en Dumbo), malvado (el capitán Hook), servicial (Mr. Smee en el filme homónimo), exagerado (Tigger), gracioso (Timón, en el Rey León), etc. Esta es una aproximación a la comedia. Lo llamativo es que en Disney la mayoría de los personajes son animales.

5) Humor del tipo gag. Las frases con diálogos inteligentes y desarrollados son para adultos, los niños prefieren gente cayendo o dando cachetazos

6) Brevedad. Las películas familiares no son interminables o con final abierto sino que siguen una estructura clásica que llega al final y allí terminan. .

7) Finales felices. Los adolescentes tal vez sean mas difíciles de convencer pero los chicos, aún aquellos que discuten más, en sus corazones aman creer en los sueños, por ejemplo en el ratón Pérez. Entonces el espíritu optimista tiene que preponderar en orden de capturar a la audiencia infantil. Matilda no muere, Blancanieves se despierta, Shrek no hierve y come el burro.

Es debatible cuáles de los requisitos arriba mencionados para las películas familiares son ciertos o cuáles son sólo trucos. Más allá de todo, lo descripto conforma una buena fórmula. Estas son cosas que nuestros chicos y nosotros queremos ver: la realización de nuestros sueños, sentirnos bien, disfrutar del buen humor. Desde mi punto de vista esto es al fin y al cabo la familia.

Fuente: Philip Palmer.

The Dirty Club

Os dejo el último e impactante video de Albert Blanch, en realidad una proyección para un concierto en el Teatro de Salt con el grupo homónimo…Impresionante!!! Sobretodo el protagonista y su máscara…

Dirección y montaje: Albert Blanch
Bailarina: Imma Gallego
Personaje: Marcel Cicres
Agradecimientos: Jordi Rodríguez, Jordi Martínez, Jordi Babot, Alma Cubrae y Pere Calderon.

The Dirty Club estrena en Temporada Alta el espectáculo “Inspiration Exercises”, una propuesta basada en un nuevo repertorio que combina los instrumentos acústicos habituales en la formación con la incorporación de instrumentos electrónicos y procesadores de efectos digitales. La puesta en escena irá acompañada de proyecciones de imágenes que se integran con una escenografía en constante movimiento.

10 cosas importantes sobre la escritura de guiones

El mito sobre la escritura de guiones es que es la única profesión que realmente importa en nuestra generación. Tengo que admitir que mi karma paso por este dogma. Durante los últimos doce años, he pateado las calles, el teclado y mi cabeza contra la pared en busca de la clave para el esqueleto del Gran Guión Americano. He aprendido que escribir un guión es fácil, pero escribir uno bueno es duro. Lo que sigue a continuación es una lista de preciosas pepitas que he conseguido desenterrar hasta ahora. Lo que hagas con ellas ya es asunto tuyo…

10. Gente con menos estudios que tú ha tenido más éxito en este negocio.

Es importante saber, desde el primer momento, que escribir guiones no es como hacer cirugía cerebral. Arnold, Sylvester, Bruce o Macaulay no se pasan el día llamando a las puertas de sociedades de superdotados buscando guionistas. Tampoco se trata de que William goldman (“Maverick”), Jim Cameron (“True Lies”) o Lawrence Kasdan (“Wyatt Earp”) son una panda de bobos. Es sólo que muchas películas de éxito no han sido escritas por ingenieros espaciales. De todas formas, También añadiría que gente con más estudios que tú también ha fracasado en este negocio.

9. formatea correctamente tu guión.

Nadie lee guiones en Hollywood, leen sinopsis. Cuando alguien manda un guión a un productor, éste lo reenvía a un lector profesional que hace una sinopsis y sobre el que emite una opinión. Como promedio, uno de estos lectores lee cinco guiones diarios. Obviamente, y dado el inmenso volumen de material que reciben, no todos los guiones reciben su “justa lectura”. Aquí es donde entran algunos factores en el proceso de eliminación, el primero de los cuales es el formato del guión. Las reglas son muy sencillas, pero están escritas en piedra y no han cambiado desde los shows de los años 30. Si el guión no se presenta en la forma exacta y correcta, eso indica al lector que el escritor no sabe lo que está haciendo. No importa lo buena que sea la historia, el lector te tirará tu obra a la papelera (la biblia sobre este tema se llama “The Complete Guide to Standard Script Formats”, de Cole/Haag, CMC Publishing, Hollywood, Ca. y se vende por $16.95).

8. No seas demasiado brillante

El mayor problema con el que se encuentra mucha gente a la hora de escribir un guión es que intentan que una aparentenente monumental idea funcione en el papel. El ojo de nuestra mente desarrolla los conceptos de una manera especial, usando una “cuarta dimensión”. Las imágenes mentales vienen acompañadas por un grupo de añadidos fisio-psico-sensoriales: Memorias de la infancia, fantasías sexuales y cargas emocionales se entremezclan. Imagínate: “Hey, no sería genial si mi personaje ciego se despierta un día y descubre que puede caminar por el cielo… ¡Sería como cuando yo salté por primera vez del techo del garaje, y durante unos instantes, fue como si tocase las (piiiii) de Marta Sánchez!”. Pero cuando vamos a escribirlo, nuestro parto mental de un millón de dólares exuda toda la excitación titilante de una taza de tila sin azucar… Escribir es reescribir. La mejor forma de verlo es estudiar los planes de querra de Napoleón. Cuando le preguntaron por su estrategia para conquistar Italia, Napoleón Bonaparte dijo: “Primero llegaremos allí, después ya veremos…”. no intentes ser demasiado creativo, imaginativo o profundo… Así lo único que conseguirás es bloquearte. Nunca conseguirás plasmar en papel la percepción de la grandeza que hay en nuestras mentes. Simplemente empieza a escribir y a ver qué pasa… En cualquier caso tendrás que reescribirlo después.

7. El diálogo es como el oro, gástalo sabiamente

Un buen actor puede entrar en una habitación y resumir setenta líneas de diálogo con una mirada. La fórmula de una página de guion = un minuto sigue siendo válida. Para cogerle un poco el sentido, intenta contener tu respiración por un minuto. cuando estés a punto de asfixiarte, eso son 3/4 de página… Otra razón por la que no deberías dar demasiadas líneas de texto a los actores es que ellos tampoco son ingenieros espaciales .

6. Conflicto, conflicto, conflicto.

Una historia que no tiene conflicto no es una historia. sube a tu heroe a un árbol, tírale rocas, tírale rocas mayores, tírale al suelo. La base de nuestro drama son las piedras que le tiramos. Nos interesa el juicio a O.J. Simpson por la misma razón por la que vemos una película de Harrison Ford. Hay lucha, una gran cantidad de obstáculos que pasar, y el equilibrio entre la vida y la muerte es delicado. Tal como Jack Benny dijo una vez: “Si es siempre interesante, es siempre bueno”. El conflicto hace las cosas interesantes.

5. Tienes 10 páginas para impresionar a tu público.

A diferencia de un libro, donde el lector puede parar y seguir más tarde, las películas son una marcha forzada de dos horas. Preparar bien tu historia es crucial. Piensa en tu película favorita. ¿Qué pasa en los primeros 10 minutos? Se nos presenta el personaje principal, y descubrimos de qué va a ir la historia. Los lectores de guiones siempre se quejan de que en la mayoría de los guiones que leen, los primeras cinco páginas pertenecen a un tipo que se está afeitando, o una mujer que va de compras. ¿A quién le importa?. Como dijo Samuel Goldwyn hace mucho, “La gente no va al cine a ver la cocina de otra gente”. Métenos en tu historia rápidamente.

4. Escribe cada escena en una tarjeta de 9 x 15

No es raro estar en una cola del carnicero en Los Angeles y ver alguien frente a tí manoseando y barajando un taquito de fichas de 9×15. Lo más probable es que se trate de un escritor (¿Y quién no lo es?) trabajándose una línea argumental. Las tarjetas de 9×15 son una de las maneras más efectivas de visualizar un guión antes de empezar a escribirlo. Funcionan de la misma manera que los storyboards para los directores, porque permiten desarrollar un flujo argumental. Escribe cada escena en una tarjeta separada. Yo a veces escribo cada “latido” de la escena en una tarjeta separada. Entonces empieza a mezclarlas y barajarlas. Es como trabajar la arcilla, poco a poco comienzan a tomar forma. Llévalas contigo a todas partes, especialmente a las colas de las carnicerías.

3. Conoce el final de la historia antes incluso de empezar a escribirla.

Este es probablemente el consejo más valioso para el juego de la escritura de guiones. Estuve una vez en una reunión de ideas en Zucker Brothers (“Airplane”, “Ghost”, “Naked Gun”) con un montón de escritores con muchos trabajos producidos. Fue uno de esos momentos en los que los dioses me proveyeron del don del verbo. Estuve inteligente, listo, gracioso, sacando al aire líneas divertidas en una habitación llena de escritores de comedias. Estaba proponiendo una idea en la que estaba trabajando, y uno de los escritores me preguntó cómo acababa la historia. Le dije que no lo sabía. Se produjo un repentino silencio, como si se me hubiera escapado un pequeño pedo y ellos lo hubieran sabido. Me llevó unos cuantos años aprender lo que había pasado. Las mejores películas son aquellas que avanzan, constante e inexorablemente, hacia una conclusión satisfactoria. No necesitas saber exactamente los detalles, pero tienes que saber cómo va a acabar tu historia. El final sumariza el contexto de toda la historia. Una vez que sabes dónde vas, apunta tu historia hacia esa estrella.

2. Sé capaz de describir tu historia en 25 palabras o menos.

Una reseña es ese pequeño comentario que sigue al título de la película en la Guía del Ocio y que cuenta resumidamente de qué va. Es una herramienta muy importante para escritores, porque te enfoca hacia los elementos clave de tu historia. Aquí tienes tres ejemplos: Dos amigas abandonan sus responsabilidades, maridos y novios atrás para embarcarse en una escapada pero un incidente inesperado las convierte en fugitivas de la justicia. O BIEN: Dos amigas del alma que buscan una inocente escapada de sus monótonas vidas encuentran un gito de su destino que las lleva a través del país con la ley en los talones. O BIEN: Un viaje de fin de semana para dos amigas acaba en asesinato, robo y escape de la ley.
Otra razón por la que esta técnica es útil es porque, si en algún momento te encuentras con un productor, agente, director o gran estrella, y les tienes que soltar tu rollo, lo quieren en 25 palabras… o menos.

1. Y lo primero que deberías saber sobre guiones: Estrújate la parte izquierda del cerebro…

Básicamente, nuestra parte izquierda del cerebro es la parte lógica de nuestra mente. Hace matemáticas, conduce el coche, nos mantiene parados cuando el semáforo está en rojo. La parte derecha no puede controlar una contabilidad, conduce demasiado rápido y quiere sacar a la luz nuestros secretos más íntimos a través del arte, la música y los guiones cinematográficos. Cuando lo que sale de ahí tiene esa pinta maloliente, blanda y marrón, es el viejo amigo izquierdo quien nos dice que ya está bien de tonterías incompetentes. Sólo está tratando de protegernos, tratando de que paremos el ritmo. No es lógico ser creativo a base de mezclar y amasar ideas incongruentes entre sí. La parte izquierda hace su trabajo golpeando nuestra ya de por sí baja autoestima. Esa es la razón por la que muchos artistas y escritores son borrachos, drogadictos o están pirados… Son sólo la mitad de sus mentes. Todas las historias son artificiales, invenciones. Si quieres escribir, deberás sobrepasar la parte ilógica del proceso creativo. Y el miedo. Escribir guiones no es, después de todo, cirugía cerebral. Tú puedes hacerlo.

Fuente: Sam A. Scribner. Guionista con títulos como “Delta Heat” y “The Criminal Mind”, y autor del libro “Puedo escribir una película mejor que esa”.

Primera etapa: El Mundo Ordinario

El principio de un guión es muy delicado, debe atrapar al lector, determinar el tono e imprimir gran cantidad de información en ese mundo cotidiano de presentación, al que Christopher Vogler denomina: EL MUNDO ORDINARIO.

Explicar las vicisitudes de nuestro protagonista al principio de la historia, su estado de ánimo, transmitir comparaciones respecto a su vida o a sus emociones de una manera eficaz y nada mejor para ello, que las metáforas. Ese estado de ánimo se consigue sobretodo hablando de tu historia, una y otra vez. Recorrerla y descubrir nuevas perspectivas que habían quedado en la sombra. La ambientación, dibujos, posters sugerentes o una música apropiada serán de gran ayuda para producir el efecto deseado. Gestos personalizados que captan la atención del público como lo hacen los grandes oradores con el “Érase una vez”.

El título proporciona también pistas importantes así como el tagline: esa frase que acompaña el titulo de la película. Pero sin duda alguna, un recurso muy oportuno y de gran fuerza es una “imagen inicial” correspondiente al segundo o tercer acto, una metáfora visual que invoca el mundo especial hacia donde se dirige nuestro protagonista y nuestra historia. Es un momento muy oportuno para sacar a la luz el tema. Una película siempre es sobre todo un tema, un asunto que nos preocupa por encima de todo y que debe ser tratado con el máximo respeto, sin confundir los términos, no es lo mismo la venganza que el resentimiento, aunque se puedan confundir e incluso coger de la mano. Se ha de alertar al público con lo que se va a enfrentar y muchas veces, empieza la historia justo donde acaba, dando un giro de 360º.

Hay tres maneras básicas de empezar la historia:

1-Con un prólogo, previo a la presentación de los personajes. Puede presentar un dato esencial y de fondo, orientar al público o abrir la narración con un fuerte impacto. Se intuye sobre que va a tratar la película aunque no es necesario ni deseable en todos los casos, depende de nuestra estructura.

2-Presentación del villano antes que el héroe, como la amenaza antes del antídoto o lo que es lo mismo, la aportación de nuestro protagonista al respecto, aunque aún no lo sepa.

3-Como hacen la mayoría de historias, presentando al héroe en su entorno habitual, en su mundo ordinario.

El Mundo Ordinario debe ser un claro contraste con el mundo inmediato que va a topar nuestro héroe, el cambio debe  ser dramático y se debe cruzar un umbral, una puerta que lleva incondicionalmente hacia el mundo especial, hacia el segundo acto. Los problemas y conflictos del protagonista salen a la luz, algunos le perjudicaran y otros le ayudaran a lo largo de la historia. Imperfecciones, debilidades, habilidades o flaquezas, humanas y reales. Héroes vulnerables, rechazados, traicionados o decepcionados. Heridas, cicatrices o profundos problemas de naturaleza emocional, neurosis. Carecer de algo arrebatado, la pérdida de un ser querido, la falta de compañeros o amigos, no realizar una sencilla tarea son recursos para ver los conflictos, internos y externos del héroe. Es muy importante encontrarles defectos de la personalidad, dilemas morales, la confianza que tienen en ellos mismos,  a no ser que sea un superhéroe. La construcción acerada de nuestros personajes, no solo para conocerlos e integrarlos como pegamento a la estructura de nuestra historia, sino para elaborar unos diálogos creíbles en el último paso de la elaboración del guión, es verdaderamente importante. De alguna manera necesitamos recrear el mundo especial a pequeña escala, como presagios sutiles que guiaran al espectador, siempre con ritmo y manteniendo el tono.

Una de las funciones más importantes del mundo ordinario está en apuntar la pregunta dramática: ¿Logrará el héroe su objetivo? ¿Superará sus conflictos? ¿Aprenderá la lección? Es muy importante la entrada en escena del héroe. ¿Qué experimentará el público cuando lo vea? Su acción principal debe decirnos cosas sobre él, es una fabulosa oportunidad para definir y revelar al personaje, de expresar su actitud y sus preocupaciones, su estado emocional. Una atmósfera adecuada habla muchas veces de nuestro protagonista incluso antes que él. Hemos de crear un fuerte vínculo con la audiencia, de simpatía y de intereses comunes, como la compasión o la comprensión que sentimos hacia el héroe. Todavía más importante es la identificación, el espectador es el héroe, con los mismos objetivos, impulsos, deseos o necesidades universales. Impulsos como el reconocimiento, el afecto, la aceptación o la comprensión. Un vínculo directo entre el héroe y el espectador. La EXPOSICIÓN es el arte de revelar con gracia los antecedentes y cualquier otra información sobre la trama, pistas visuales o datos importantes que se suceden mientras el personaje anda o corre a través de la línea estructural de nuestra historia. Mucho es lo que revela la gente que NO hace o NO dice.

Por último debo insistir en lo importante del TEMA, lo que en realidad hace que escribamos una historia, algo que nos corroe en el interior hasta que le damos salida. ¿De qué trata realmente la historia? Auque no sea literal ni se diga explicitamente en toda la historia. ¿Cuál es la idea? Amor, confianza, traición, vanidad, prejuicios, codicia, ambición, amistad. ¿Qué intentamos decir? Es una premisa, algo estipulado de antemano, una anticipación que debe estar presente no sólo en el mundo ordinario, sino a lo largo de todas las etapas.

La presentación de nuestro héroe es crucial, se presenta faltado de sincronía, en otra sintonía pero obligado a seguir hacia delante, se ha de adaptar a un nuevo mundo que está a punto de descubrir y aunque se engañe y lo quiera esquivar, de una u otra manera, nuestro héroe cruzará el umbral con una nueva y desconocida energía: LA LLAMADA DE LA AVENTURA, pero eso amigos, será en la próxima entrega.

ARMADURA by Albert Blanch

Os dejo el último tráiler premiado por el “Fons de Creació Audiovisual de Girona” y ARPAGI. Se titula: ARMADURA, dirigido por Albert Blanch. Una producción de DDM Visual, ALMA CUBRAE y Albert Blanch.

Actores: Jordi Rodríguez,Joan Campabadal, Albert Quintana, Aleix Brugué i Geòrgia Bonell.

Extras: LA HERMANDAD DEL ACERO,ALMA CUBRAE y SARGENTO ROCK.

Música original: Cesc Vilà.

Director de fotografía: Maurici Jiménez.

Espero que disfrutéis de este fantástico tráiler experimental, con la visión del excepcional Albert Blanch y la emotiva música de Cesc Vilà y el  brutal atrezzo made in ALMA CUBRAE!!!